MÜNCHEN: TRÄNEN, SCHERBEN, VERZWEIFLUNG

auf der bühne: ein quadrat mit 1200 sektflaschen, leer oder fast leer, fein säuberlich aufgestellt, alle 50 zentimeter eine. die welt der promis und partys als klaustrophobischer raum; das publikum im marstall des residenztheaters sitzt auf allen vier seiten. zu beginn staksen die sechs schauspielerinnen noch schön kontrolliert durch die flaschenreihen, doch schon bald – man ahnt es – wird daraus ein schlachtfeld, ein scherbenhaufen der gefühle. „die bitteren tränen der petra von kant“ von rainer werner fassbinder erzählt die geschichte einer modedesignerin, die job/erfolg/geld und liebe nicht zusammenbringt. in der inszenierung von martin kusej verausgabt sich bibiana beglau während zwei stunden, sie terrorisiert ihre freundin, ihre mutter, ihre tochter, ihre liebste und ihre bedienstete, sie brüllt und blutet, hat gerötete augen und geschwollene lippen, ist heiss und eiskalt. in ihrer beziehungsunfähigkeit lässt sie alles eskalieren bis zur explosion. als gegen ende spuren der erkenntnis auftauchen, ist es zu spät: die sklavin hat sich erhängt, die anderen sind weg. bibiana beglau spielt dieses beängstigende, hysterische solo der einsamkeit und verzweiflung grandios: mein ich ist mein gefängnis. rainer werner fassbinder war auch so einer. petra von kant ist stark autobiographisch durchdrungen. man kann sich dieser emotionalen tortur als zuschauer nicht entziehen, leidet bei den seelischen verletzungen, bangt wegen den scherben, zwischen denen sich die darstellerinnen teilweise barfuss bewegen – und ist irgendwie ganz erleichtert, als die beglau beim schlussapplaus völlig entspannt und lachend auf die bühne kommt, als wäre grad gar nichts gewesen.

MÜNCHEN: HADJITHOMAS/JOREIGE

im abgedunkelten treppenaufgang zur ausstellung „two suns in a sunset“ im haus der kunst empfängt ein babylonisches stimmengewirr den gast: 20 bildschirme, 20 gesichter, 20 geschichten, die erzählt werden (es sind die erfundenen geschichten aus betrügerischen spam-mails). vielstimmig wie dieses intro ist die ganze ausstellung des libanesischen künstlerpaars joana hadjithomas und khalil joreige. die beiden experimentieren mit bildern, videos, objekten, archivmaterial. mit anderen mitteln als journalistinnen und historiker nehmen sie eine chronistenpflicht wahr, spüren mit aussergewöhnlicher empathie den geschichten einzelner nach und fügen sie zu einem bigger picture. oft stehen die bilder im zentrum (prächtige schwarz-weiss-aufnahmen von phantasievollen objekten, die sich bei genauerem hinschauen als zerbombte strassenlaternen entpuppen), oft aber auch die abwesenheit von bildern (menschen, die ihre lager- und foltererlebnisse während dem libanesischen bürgerkrieg 1975-1990 zaghaft in worte zu fassen versuchen). in einem 50-minuten-film reist hadjithomas nach izmir, das ehemalige smyrna, und schaut sich die bilder dieser reise dann gemeinsam mit der betagten malerin und dichterin etel adnan an; die familien beider frauen waren nach dem ende des osmanischen reiches aus der stadt vertrieben worden und sind nie wieder zurückgekehrt. diese annäherung nach jahrzehnten ist eine behutsame etude über zugehörigkeit. so disparat all diese zugänge zu einer chaotischen welt sind, so sehr entwickeln sie eine durchaus nicht nur pessimistische kraft: politik und poesie schliessen sich nicht aus, sie könnten sich bereichern.

MÜNCHEN: POINT OF NO RETURN

am 22.juli lähmte der 18jährige david s. mit seinem amoklauf diese stadt für eine lange nacht. wir waren in unserer wohnung an jenem abend. wir hörten stundenlang die polizeisirenen aus allen richtungen, waren permanent online, hatten ein mulmiges gefühl, aber keine unmittelbare angst. anders als die zehntausenden in der innenstadt. anders als wiebke puls, die mit ihren zwei kindern im theater sass. anders als dejan bućin, der in der fussgängerzone socken kaufte, als die panik um sich griff. mit diesen beiden und drei weiteren schauspielern entwickelt yael ronen an den münchner kammerspielen die performance „point of no return“ über die massen- und individualpsychologische dynamik nach dem amoklauf, über horror und hysterie. ganz nach dem motto: rede drüber, es wird dir gut tun. die bühne ist ein voll verspiegelter raum, der steil zum publikum abfällt (wieviele arg schiefe ebenen müssen wir uns noch angucken, wenn regisseurin und bühnenbildner uns sagen wollen, wie sehr die welt doch aus den fugen ist?). hier verarbeiten die fünf, meist angeseilt, ihre erlebnisse. sie geben ihre enttäuschung preis, dass es „nur“ ein amoklauf war und kein terroranschlag; sie stellen in einer choreografie des grauens die opfer am boden des olympia-einkaufszentrums nach; sie tauschen aus, wie sie selber den tollsten theatertod starben; sie wollen von kollegin jelena kuljić wissen, wie weit sie an jenem juli-abend von ihrem serbien-trauma eingeholt wurde; ja, und niels bormann erzählt, wie er sich die freude an der fischsuppe in der theaterkantine nicht nehmen liess. das ist grotesk und oft grenzwertig – und sehr selten: berührend. ein bunter abend, das publikum lacht befreit und applaudiert üppig. das therapeutische ziel, immerhin, scheint also erreicht.

MÜNCHEN: TÜRKIYE RELOADED

farbig-fröhliche schwulenparade. polizei-grosseinsatz. demo für das letzte bäumchen im gezi-park. polizei-grosseinsatz. demo gegen die dritte bosporus-brücke. polizei-grosseinsatz. die bilder, die jetzt im rahmen des festivals „türkiye reloaded“ in der pasinger fabrik gezeigt werden, wiederholen sich. und unterdessen wissen wir, dass das alles nur der anfang war. diese menschen, tausende, zehntausende, aufgestellt, engagiert, kämpferisch – erdogan nennt sie „outsider“ und „marginal“. wo sind sie jetzt? wie geht es ihnen? „wider die grautöne“ nennt die kuratorin ceren erdem ihre ausstellung. sie zeigt zum beispiel annika erikssons video über streunende strassenköter am stadtrand, die im off philosophieren: „ich bin wie die stadt, ich war immer da und ich überlebe, weil ich mich laufend erneuere.“ sie zeigt als riesiges wandposter einen wander(!!)vorschlag durch die hügel im norden istanbuls. sie zeigt das improvisationstalent der türken im alltag (fliegende händler, teeküchen, clevere abfallentsorgung). sie zeigt menschen, die beim tanzen und beim politisieren gute stimmung verbreiten. sie könnten die zukunft dieses landes sein. und? wie weiter? schnell wird sich die dominanz der grautöne nicht verflüchtigen. „in den nächsten 10 bis 15 jahren wird sich diese lost-in-transition-befindlichkeit verfestigen“, sagt özlem topçu von der „zeit“ beim abendlichen divan-gespräch. immerhin, im internet spriessen die oppositionellen medien. ein kleiner hoffnungsschimmer. irgendwann also doch wieder nach istanbul.

MÜNCHEN: LA JUIVE

heavy. es wimmelt von religiösen fanatikern. mal richten sie mit erhobenen armen ihren verklärten blick gen himmel, mal klammern sie sich übertrieben an ihren gebetbüchern fest, mal wedeln sie scheinheilig mit ihren friedenszweigen, um kurz danach mit denselben zweigen ihre gegner auszupeitschen und dazu hässliche parolen zu schreien. lauter eiferer und geiferer. „la juive“ von fromental halévy (1835) spielt in konstanz zur zeit des dortigen konzils (1414); vor dem hintergrund einer politisch und religiös schwer irritierten zeit erzählt die oper die unmögliche liebesgeschichte zwischen der jüdin rachel, die in wirklichkeit eine christin ist, und dem christen léopold, der sich ihr zuliebe als jude ausgibt. missverständnisse führen zu rache, rache führt zum tod. die gewaltige mauer quer über die ganze bühne ist keine klagemauer und bietet keinen schutz, nein, sie wirkt in ihren metallenen farben abweisend und bedrohlich, ein überdeutliches sinnbild für die mauern und den hass in den köpfen. neben den beängstigenden massenszenen gelingen regisseur calixto bieito und dirigent bertrand de billy an der bayerischen staatsoper eindrückliche zeitlose einzelporträts – dank einem hochkarätigen ensemble: aleksandra kurzak als rachel, zerrissen von ihren gefühlen, heimatlos in ihrem glauben; roberto alagna als jüdischer goldschmied éléazar, warmherzig als ihr vermeintlicher vater, unerbittlich im kampf der konfessionen; schliesslich ante jerkunica als kardinal brogni, rachels wirklicher vater – er ist die eigentliche entdeckung des abends, der kroate verfügt über einen bass von beeindruckender fülle und subtilität. was bleibt, ist der nachhall dieser schwermütigen musik und das dunkel dieser monströsen mauer. ein mahnmal.

BEIJING: CHINA VERSTEHEN MIT ZHANG

"alles in diesem land wird tag für tag aufs neue umgewälzt. in deiner stadt, aber auch in deinem leben. das tempo hier übersteigt bei weitem das, was die seele eines normalen menschen erträgt. (...) hier ist es ständig so, als hättest du dich unter vielen qualen endlich durchgerungen, einem mädchen zu sagen, dass du sie liebst - da wendet sie dir den kopf zu und du erkennst: sie ist plötzlich eine ganz andere. dann musst du wieder von vorne anfangen: soll ich mich jetzt in die neue verlieben?" der grosse chinesische kunstmaler zhang xiaogang im gespräch mit dem korrespondenten der süddeutschen zeitung. zhang erlebte die kulturrevolution als kind in kunming und ist jetzt 58.

BERLIN: IL BARBIERE DI SIVIGLIA

"wenn man mit einer sache zunächst überfordert ist, bringt einen das auf neue ideen und provoziert in einem die kraft, diese überforderung zu überwinden." kirill serebrennikov ist in russland ein angesagter regisseur. jetzt hat er für die komische oper berlin mit der kraft der überforderung aus rossinis "barbier von sevilla" eine rabenschwarze smartphone-komödie gemacht. der figaro (dominik köninger, bravourös) ist hier ein starfriseur im schwarzen cape, mit schwarzen ohrspreizerringen und zu viel kajal im gesicht. dieser moderne mephisto mauschelt und mixt die gefühle seiner kundschaft: wahre liebe scheint in zeiten der oberflächlichen kommunikation ein ding der unmöglichkeit. sms werden zwischen den flirtenden quer über die bühne gejagt (auch eines an den dirigenten: "gehts auch schneller?"), arien werden als schmachtfetzen-videos gepostet, es gibt money-transfer und social disaster - heisse leitungen, kalte welt. und rossinis musik? die macht das nicht nur mit, sondern liefert in ihrer spritzigkeit tausend anlässe für situationskomik, alles frisch, frech, fulminant, jede pointe sitzt - dank einem ensemble in umwerfender spiellaune. graf almaviva tritt, um seiner angebeten rosina inkognito nahe zu sein, mal als syrischer kämpfer auf und mal als musiklehrer im perfekten conchita-wurst-outfit. das date kommt zustande, die liebe nicht: "omg!" komische opern sind oft von peinlicher plattheit, ich habe sie nie gemocht. dieser überforderte russe, der mit der musik in die tiefe blickt, hat mich jetzt mit ihnen versöhnt. seinen namen sollte man sich merken. serebrennikov.

BERLIN: RUSALKA, DEUTSCH UND DEUTLICH

ihre grosse arie, das "lied an den mond", singt rusalka für einmal nicht im silberschein am teichufer, nein, die nixe formuliert ihre amourösen begehren sitzend auf dem parkett eines wiener salons der vorigen jahrhundertwende. freud veröffentlichte seine traumdeutung im gleichen jahr wie dvorak seine märchenoper "rusalka" - für barrie kosky an der komischen oper berlin eine steilvorlage: wie die nixe aufgrund ihrer liebe zu einem prinzen zur frau werden möchte, so habe doch jeder mensch mal das bedürfnis, ein anderer zu sein. folgerichtig interessieren kosky an diesem märchen vor allem die risiken und nebenwirkungen, er denkt den romantischen zauber ins extreme weiter: aufgeschlitzte fische, grapschende männer, blut an den prinzenhänden, eine kotzende katze, ein diamantbehangenes skelett; der traum vom wandel wird zum albtraum. reichlich bilder für eine nette meditation übers andersseinwollen, danke, herr kosky. schlicht genial bewegt sich nadja mchantaf bei ihrem rollendebut als rusalka durch diesen rabiaten rausch, mit glockenhellem sopran in den höhen und wunderbar eingedunkelt in den tieferen lagen. wie sie sich sehnt, ihr schuppenkleid abzustreifen, wie sie als gewandeltes wesen die erotik erst entdecken muss, wie sie auf beinen zu stehen und später gar zu tanzen versucht, wie sie vor verzweiflung schliesslich irre wird, das berührt vom ersten bis zum letzten takt. dass hier nicht wie üblich das tschechische original gesungen wird, sondern eine zuweilen arg holprige deutsche fassung, ist ein wermutstropfen. der einzige an diesem abend.

BOCHUM: VIEL ZEIT FÜR GROSSE STOFFE

"in den deutschen stadttheatern findet man heute eine unglaubliche betriebsamkeit. in immer kürzeren probezeiten wird immer mehr produziert. man arbeitet oft schnellebig und oberflächlich, anstatt in die vertikale zu gehen. (...) mit meinem start am schauspielhaus bochum in der spielzeit 2018/19 strebe ich eine rückkehr zur schauspielkunst und zur auseinandersetzung mit jenen grossen stoffen an, die für die bühne eine herausforderung bedeuten. um als schauspieler mit solchen texten in die tiefe gehen zu können, braucht man mindestens sieben oder acht wochen zeit. man muss sich auch getrauen, einmal drei monate zu proben, was heute so gut wie nicht mehr stattfindet. wenn in deutschland heute einmal zwei monate geprobt wird, stellt das schon eine ausnahme dar." johan simons, bis 2015 intendant der münchner kammerspiele, im "lettre international" (heft 114). ein versprechen. auf nach bochum.

MÜNCHEN: NO PLACE LIKE HOME

ein kleines wohlfrisiertes mädchen im rosa kleidchen sitzt vor der rosa geblümten tapete am wohnzimmertisch mit dem rosa kaffeegedeck. es hilft seiner mutter beim knäueln der wolle. geredet wird kein wort. die stimmung mehr bleiern denn rosa. plötzlich knallt eine unsichtbare faust auf den tisch und aus dem kaffeekrug juckt ein schleimiger fisch. die mutter steckt den fisch zurück in den krug. geredet wird kein wort. wieder wird geknäuelt und wieder knallt die faust und wieder juckt der fisch – bis ihm die mutter den kopf abbeisst und ihn roh runterwürgt. im hals stecken bleibt er auch dem zuschauer. veronika veits fünf-minuten-video „die faust“ bringt grossartig auf den punkt, wie es unter der gepflegten ordnung und der familiären oberfläche brodelt und juckt und würgt und wie es durch runterschlucken entsorgt werden soll. dieser film zeigt, wie doppeldeutig der titel der ausstellung „no place like home“ im haus der kunst in münchen gedacht ist. die idylle ist brüchig, geheimnis und gewalt lauern überall; die kindheit, das zuhause, sie hinterlassen tiefe und sonderbare spuren. die 14 hier versammelten video- und filmarbeiten aus der sammlung von ingvild goetz sind in ihrer mehrheit streng, kalt, abweisend, rätselhaft. und allesamt höchst anregend. psychoanalyse live.

MÜNCHEN: DER FALL MEURSAULT

moussa heisst er. der junge araber, der bei gleissendem sonnenlicht am strand von algier erschossen wird, von einem französischen angestellten namens meursault. albert camus interessierte sich in „l´étranger“ nicht für das opfer, es hatte keinen namen und kein gesicht. der algerische autor kamel daoud hat das in seinem roman „der fall meursault – eine gegendarstellung“ nachgeholt. 70 jahre nach camus erzählt er die geschichte aus arabischer perspektive. keine revanche, eine replik. das opfer hat jetzt einen namen. moussa. der ganze bühnenraum der münchner kammerspiele ist mit teppichen ausgelegt, das theater als moschee, ein schönes bild. haroun, der jüngere bruder von moussa, ist jetzt ein alter mann und brüllt seinen ganzen zorn auf die religiösen eiferer in diesen raum, regt sich auf über camus´ eurozentrismus, ist enttäuscht vom eigenen land. der zu recht international herumgereichte iranische regisseur amir reza koohestani verdreifacht haroun in seiner inszenierung – und manchmal ist er als kind, das den tod des bewunderten bruders nicht versteht, als junger mann, der sich neben der verbitterten mutter im leben kaum zurechtfindet, und als alter gleichzeitig auf der bühne. die perspektiven überlagern sich zu mehrdimensionalen bildern. mit einfachen mitteln (neben den teppichen ein wenig sand, eine grosse sonne, ein tisch, ein offenes grab) erweckt koohestani moussa zum leben. wie daouds roman will auch diese inszenierung keine postkoloniale anklage sein, sondern ein denkanstoss, ein äusserst präziser blick auf die komplexität der verhältnisse zwischen menschen, zwischen religionen, zwischen kontinenten. um das zu unterstreichen sprechen die schauspielerinnen und schauspieler immer wieder auch in ihrer muttersprache, farsi, bulgarisch, lettisch, arabisch, die welt als babylonische provokation. moussas leiche wird nie gefunden. das grab bleibt leer. daoud und koohestani füllen es mit worten, nachhallend und nachhaltig. das eindrückliche ende einer schwierigen geschichte: ein grab voller worte.

BASEL: FARINET ODER DAS FALSCHE GELD

„setz dich doch!“ – „er hat doch grad drei jahre gesessen.“ – hahaha auf der bühne, hahaha im publikum. das theater basel macht zum saisonauftakt auf volkstheater. der schweizer autor reto finger hat ramuz‘ „farinet“ dramatisiert, die geschichte vom falschmünzer im unterwallis, der gegen die obrigkeit stänkert und handelt und dafür alle sympathien der bevölkerung auf seiner seite hat. ein hübscher kleiner gaden steht auf der kleinen bühne, darin wird gejodelt, wie sich die urbane jungregisseurin nora schlocker das alpenleben halt so vorstellt. später mischt sie dann auch lateinamerikanische und fernöstliche klänge unter die handlung, damit die alpine bevölkerung merkt, wie urbanes theater heute geht, auch wenn es in den bergen spielt. naja. herausragend cathrin störmer als farinets freundin joséphine; eine frau, die kämpft, für diesen mann, für seine ideen, für ihre liebe und dann fallengelassen wird; sie ist die einzige figur mit facetten und die einzige, die auch unter der oberfläche interessiert. und sonst? zäh werden die episoden aus der endphase von farinets leben aneinander gereiht, zäh versucht nicola mastroberardino die titelfigur mit bedeutung aufzuladen: immer wenn er von freiheit spricht, holt er anlauf, betont überdeutlich, macht überlange pausen und übergrosse augen, achtung-jetzt-wird’s-wichtig. das ist tatsächlich: landtheater, und zwar nicht high-end. weder diese stückfassung noch die inszenierung machen klar, warum uns dieser farinet heute noch umtreiben soll. das grossartige literarische denkmal, das ihm ramuz setzte, dürfte zur tendenziellen überbewertung der originalfigur beigetragen haben. wir brauchen neue helden.

ZÜRICH: FREISCHÜTZ OHNE WILDSAU

ich war die wildsau in der wolfsschlucht. ich spielte die wichtigste rolle in der wichtigsten szene des „freischütz“ von carl maria von weber. tief im vergangenen jahrtausend. als junger, beweglicher statist am luzerner theater. deshalb und wirklich nur deshalb habe ich zu dieser eigenartigen oper überhaupt eine nähere beziehung. jägerchöre, jungfernchöre, die wolfsschlucht als vagina-symbol, versagensängste des mannes beim schuss im dunkeln – huch, hach, und ich war teil davon. jetzt also „der freischütz“ am opernhaus zürich, ich kann’s nicht lassen. zur ouverture wird eine riesige zielscheibe aufs bühnenportal projiziert, die sich neuneinhalb minuten lang in allen psychedelischen farben verändert und bewegt, gross und klein wird und unscharf und unförmig: die panik des max, dessen beruf und liebe einzig davon abhängen, ob er bei diesem einen prüfungsschuss ins schwarze trifft. ein bild und alles ist gesagt. regisseur herbert fritsch lässt den ganzen deutschen wald links und den ganzen sigmund freud rechts liegen, die biedermeierliche lust am grauen und die fritsch’sche lust am grotesken vermengt er gekonnt zu einem grellbunten grusical. alles wird, auf höchstem professionellen niveau, radikal übertrieben. samiel, der teufel, eigentlich eine nebenrolle, ist hier ein dauerpräsenter, schmieriger conferencier. zur optischen opulenz liefert marc albrecht mit der philharmonia zürich einen reizvoll aufgerauhten romantik-sound, schaudern in fis-moll. und ja, fritsch macht’s ganz ohne wildsau. kann man. hat wohl konzeptionelle gründe. vor allem aber stand die idealbesetzung nicht zur verfügung, jener bewegliche luzerner jüngling.

LUZERN: PROMETEO

ein mutiger anfang. da kommt einer, räumt die bühne und den zuschauerraum des luzerner theaters leer, baut sie bis zur unkenntlichkeit um und führt in diesem von shakespeares globe inspirierten runden raum luigi nonos „prometeo“ auf, ein werk, das sich allen gängigen erwartungen an ein musiktheater radikal entzieht: keine figuren, keine handlung, keine dramaturgie. der neue intendant benedikt von peter und sein musikalischer leiter clemens heil verwickeln ihr luzerner publikum zum start in eine zweieinhalbstündige klangskulptur, weil sie dieses publikum zum hören animieren wollen, zum hinhören, zum genauen hören, zum entdecken, was diese ungewöhnlichen klänge im kopf und im körper auslösen. ein mutiger anfang und für den start in eine neue ära ein ausgesprochen kluger. das luzerner sinfonieorchester und die gesangssolisten sind in grüppchen verteilt auf den rängen, während das publikum unten im abgedunkelten rund sitzt, steht oder auf matten liegt und sich diesen klangwelten in immer neuen positionen aussetzen kann. luigi nono liess sich für seine melodienfetzen über die trümmer der menschlichen katastrophen und das überwinden von klippen von aischylos, sophokles, hölderlin und walter benjamins „geschichtsphilosophischen thesen“ inspirieren. ihre texte wandern als lichtspiel immer wieder über die holzwände und die körper des publikums. wie mit so einfachen mitteln aus einer durchaus kopfig konzipierten komposition ein sinnliches, einlullendes, beflügelndes musik-erlebnis entsteht, das ist das eigentlich spektakuläre dieses abends.

LUZERN: DEM ANDENKEN EINES ENGELS

alban berg war ein zahlenfetischist. besonders die 23 hatte es ihm angetan: viele seiner werke wurden an einem 23. vollendet, in takt 23 seines violinkonzerts erklingt das todesmotiv, der zweite satz hat 230 takte und als tempo werden hier immer wieder 69 schläge pro minute vorgegeben (3x23). und. so. weiter. das konzert ist „dem andenken eines engels“ gewidmet, manon „mutzi“ gropius, der tochter von alma mahler-werfel und walter gropius, die 18jährig an kinderlähmung starb. dieser tod erschütterte alban berg so sehr, dass das violinkonzert trotz seiner liebe zu zahlen keine mathematische veranstaltung wurde, sondern ein werk von aussergewöhnlicher zartheit. anne-sophie mutter hat dieses requiem für mutzi jetzt beim lucerne festival gespielt, als berührende, intime reise vom diesseits ins jenseits. berührend auch deshalb, weil sie vom orchester der lucerne festival academy begleitet wurde, lauter jungen musikerinnen und musikern, denen der tod einer 18jährigen anders nahe geht. mit grosser intensität liess alan gilbert dieses hochmotivierte orchester der solistin in die überirdischen sphären folgen, mit trauer, fieber und andacht. für anne-sophie mutter war diese annäherung an die jugend und an den himmel gleichzeitig ihr 40-jahr-jubiläum am lucerne festival („primadonna“ lautet, passenderweise, das motto in diesem sommer); mit 13 trat sie hier erstmals auf. ihr rezept, in all den kompositionen nach so vielen auftritten doch immer wieder neue zugänge zu entdecken, verrät sie im programmheft: „man braucht einfach die leidenschaft fürs detail und ein gesundes quäntchen unzufriedenheit.“