MÜNCHEN: JUGEND OHNE GOTT

nebel wabern über die bühne, stroboskopblitze zucken, über grosse screens flimmern unscharfe videos aus einem waldcamp, wo jugendliche auf einen kriegseinsatz vorbereitet werden, einer wird von einem kumpel erstochen, die kapuzen der hoodies werden tiefer ins gesicht gezogen, polizisten quälen beim verhör ein fälschlicherweise unter verdacht stehendes verwahrlostes mädchen: „jugend ohne gott“ an den münchner kammerspielen ist ein horror-trip, ein trip durch den horror der realität, beklemmend und beängstigend. ödön von horváths roman, der 1937 eine manipulierte und militarisierte jugend minutiös porträtierte, dient regisseurin felicitas brucker als vorlage für eine collage über die verheerende spirale von repression, denunziation, hass und gewalt, der roman wird ins heute gedreht. autorin anne habermehl schrieb den jugendlichen dafür starke zusätzliche szenen in ihrer sprache. mit immer neu verteilten rollen illustriert das fünfköpfige ensemble, authentisch bis an die schmerzgrenze, wie sämtliche hemmschwellen ausgetestet werden und wie jeder jeden manipuliert. das erste opfer ist der lehrer, der nicht duldet, dass über alles „undeutsche“ gelästert wird; wegen seiner ansichten wird er gemobbt, verliert zuerst die autorität, dann die fassung und schliesslich seinen job. der (einmal mehr) grossartige thomas schmauser spielt diesen lehrer schwitzend und zunehmend fiebriger zwischen verzweiflung und aggression – so sieht ein von den herrschenden verhältnissen heillos überforderter aus. das zweite opfer ist der ermordete mitschüler. schule, kriegstraining, gericht: die regie fügt das immer wieder neu zusammen, was die chronologie der ereignisse etwas unübersichtlich werden lässt, dafür die beunruhigende, düstere dynamik enorm verstärkt. mit dem hybriden kleinkrieg im alltag nimmt das übel seinen anfang. und wo endet es? „die erde ist noch rund, aber die geschichten sind bereits viereckig geworden“, sagt der lehrer einmal. 

MÜNCHEN: IL TRIONFO - INVENTAR EINES LEBENS

die schönheit und das vergnügen und die zeit und die ernüchterung haben´s nicht immer einfach miteinander. georg friedrich händel liebte allegorien und arrangierte mit diesen vier symbolfiguren „il trionfo del tempo e del disinganno“ (1707), sein von weltlichen und geistlichen motiven durchsetztes oratorium, kurz: die bekehrung der schönheit zu den wahren werten. so eine bekehrung dauert natürlich, bei händel gut zweieinhalb stunden, für die bayerische theaterakademie schufen der musikalische leiter joachim tschiedel und regisseur wolfgang nägele jetzt ein ebenso kurzweiliges wie stimmiges konzentrat: „il trionfo – inventar eines lebens“. mit viel esprit und frische (motto: let´s händel it…..) stürzen sich vier absolventinnen des studiengangs operngesang in dieses spiel der verlockungen und konflikte und bewältigen die zum teil hochvirtuose gesangsakrobatik mit hingabe und bravour – ein famoses quartett. so wird die inszenierung zu einem klingenden archiv der erfahrungen und irrtümer des lebens. die bühne ist ein hochregallager, auf dem einerseits das ebenfalls brillante instrumentalensemble geparkt ist und anderseits die requisiten der lebensabschnitte, die dann zum spielmaterial der allegorischen figuren werden. mal packen sie sich eine puppe, mal drücken sie widerwillig eine schulbank, mal schieben sie ein ehebett ins zentrum und gegen ende einen rollstuhl. händels wohl berühmteste arie teilen sich die vier - ungewohnt, aber schlüssig - unter sich auf, versammelt ums totenbett, sehr berührend: „lascia la spina, cogli la rosa“ (lass den dorn, pflücke die rose). was bleibt von einem leben? was hat bedeutung? was gilt es zu bewahren? rocking the barock, funktioniert bestens, die grossen fragen sind die selben geblieben. wer der schönheit mit wahrheit begegnet, trifft auf die vergänglichkeit.

BERN: EWIGE SONNE

wie auf einem überdimensionierten schachbrett bewegen sich die sieben figuren in der vidmar-halle der bühnen bern. die 64 felder sind nicht schwarz-weiss, sondern alle blau, denn der himmel spielt in „ewige sonne“ eine hauptrolle. regisseur tilmann köhler und dramaturgin felicitas zürcher haben dafür zwei düstere romane von charles ferdinand ramuz destilliert: die beiden geschichten über menschen, die auf die apokalypse zurasen („sturz in die sonne“, 1922) und nach dem tod aus ihren gräbern steigen und in einem zwiespältigen paradies landen, ebenso makellos wie langweilig („dorf im himmel“, 1921). dieses drama der vergänglichkeit, und wie die gesellschaft und der einzelne damit umzugehen versuchen, spielt das starke ensemble nicht chronologisch, sondern zeigt es als grosses tableau zwischen textperformance und totentanz. mit viel energie und spiellust illustrieren die sieben (2w/4m/1d) das verhalten des menschen angesichts einer bevorstehenden katastrophe, ketten sich aneinander, lösen sich voneinander, verzweifeln kollektiv, verzweifeln individuell, sie tanzen sich frei, sie erinnern sich, sie heulen, sie singen, sie albern im himmel herum – ein puzzle aus wortkaskaden und beachtlichem körpereinsatz. der fast dreistündige abend wird so zu einer überbordenden étude über die suche nach dem glück. immer wieder fixieren die sieben auch menschen im publikum: ja, ihr seid mitgemeint. was bedeutet glück in einer übersatten gesellschaft? und was, wenn man dabei die nahende katastrophe übersieht oder verdrängt? „hier bei uns hat man nicht viel vorstellungskraft“, sagt einer bei ramuz. ist leider so. doch die inszenierung bietet tüchtig nachhilfe, faszinierend, ausufernd, chaotisch, rätselhaft, wie eine zeitgemässe umsetzung der surrealen visionen des hieronymus bosch. das grosse, das umfassende glück? eine illusion! ramuz‘ rat: versucht’s wenigstens mit dem kleinen.